VAN GOGH Vincent – Le semeur (d’après Jean-François Millet, 1850), 1889, collection privée 

     En cette fin du mois d’août 1889, Vincent Van Gogh ne va pas bien…

    Depuis de nombreux mois, il est enfermé à l’hospice de Saint-Rémy-de-Provence, dans ce Midi où il est arrivé il y a seulement un et demi. Il veut repartir vers le Nord. Le soleil ne lui réussit pas… Il ne le sait pas encore, dans huit mois, en mai 1890, il reprendra le train pour Auvers-sur-Oise, une commune de la région parisienne, où il retrouvera le docteur Gachet qui sera chargé par son frère Théo de s’occuper de lui.

   Vincent manque de confiance dans ses capacités physiques pour entreprendre un voyage : « Je suis étonné qu’avec les idées modernes que j’ai, moi si ardent admirateur de Zola, de Goncourt et des choses artistiques que je sens tellement, j’aie des crises comme en aurait un superstitieux et qu’il me vient des idées religieuses embrouillées et atroces telles que jamais je n’en ai eu dans ma tête dans le nord. »

    Pour le moment, l’artiste vient de sortir d’une longue et violente crise. Ne pouvant sortir, il travaille d’arrache-pied dans sa chambre : « Je laboure comme un vrai possédé. J’ai une fureur sourde de travail plus que jamais. Et je crois que ça contribuera à me guérir. Peut-être m’arrivera-t-il une chose comme celle dont parle Eugène Delacroix : « J’ai trouvé la peinture lorsque je n’avais plus ni dents ni souffle ». 

   N’ayant pas de modèles, il demande à son frère Théo de lui envoyer des gravures de ses peintres préférés. Parmi ces gravures, il entreprend de copier les travaux des champs, dont « Le semeur », de Jean-François Millet. Il ne veut pas faire de simple copie des toiles du peintre mais souhaite en faire une interprétation personnelle : sa propre musique…

Lettre à Théo – vers le 20 septembre 1889

« J’ai à présent 7 copies sur les dix des « travaux des champs » de Millet.

Je peux t’assurer que cela m’intéresse énormément de faire des copies et que n’ayant pour le moment pas de modèles cela fera que pourtant je ne perdrai pas de vue la figure.

En outre cela me fera une décoration d’atelier pour moi ou un autre.

Ce que je cherche là-dedans et pourquoi il me semble bon de les copier, je vais tâcher de te le dire. On nous demande à nous autres peintres toujours de composer nous-mêmes et de n’être que compositeurs.

Soit – mais dans la musique il n’en est pas ainsi et si telle personne jouera du Beethoven elle y ajoutera son interprétation personnelle – en musique et alors surtout pour le chant l’interprétation d’un compositeur est quelque chose, et il n’est pas de rigueur qu’il n’y a que le compositeur qui joue ses propres compositions.

Bon – moi, surtout à présent étant malade, je cherche à faire quelque chose pour me consoler, pour mon propre plaisir.

Je pose le blanc et noir de Delacroix ou de Millet, ou d’après eux, devant moi comme motif.

Et puis j’improvise de la couleur là-dessus, mais bien entendu pas tout à fait étant moi, mais cherchant des souvenirs de leurs tableaux - mais le souvenir, la vague consonance de couleurs qui sont dans le sentiment sinon justes - ça c’est une interprétation à moi.

Un tas de gens ne copient pas, un tas d’autres copient – moi je m’y suis mis par hasard et je trouve que cela apprend et surtout parfois console.

Aussi alors mon pinceau va entre mes doigts comme serait un archet sur le violon et absolument pour mon plaisir. »

Jean-François Millet – Le semeur, 1850, Museum of Fine Arts, Boston

Vincent Van Gogh – Le semeur (d’après Jean-François Millet 1850), 1889, Collection privée

     En 1891, l’écrivain Octave Mirbeau, dans « L’écho de Paris », ne pouvait faire une plus belle analyse du travail de l’artiste :

Octave Mirbeau – L’écho de Paris, 31 mars 1891

« Dans  « Le semeur », de Millet, rendu si surhumainement beau par Van Gogh, le mouvement s'accentue, la vision s'élargit, la ligne s'amplifie jusqu'à la signification du symbole. Ce qu'il y a de Millet demeure dans la copie ; mais Vincent Van Gogh y a introduit quelque chose à lui, et le tableau prend bientôt un aspect de grandeur nouvelle. Il est bien certain qu’il apportait devant la nature, les mêmes habitudes mentales, les mêmes dons supérieurs de création que devant les chefs-d’œuvre de l’art. Il ne pouvait pas oublier sa personnalité, ni la contenir devant n’importe quel spectacle et n’importe quel rêve extérieur. Elle débordait de lui en illuminations ardentes sur tout ce qu’il voyait, tout ce qu’il, touchait, tout ce qu’il sentait. Aussi ne s’était-il pas absorbé dans la nature. Il avait absorbé la nature en lui ; il l’avait forcée à s’assouplir, à se mouler aux formes de sa pensée, à le suivre dans ses envolées, à subir même ses déformations si caractéristiques. Van Gogh a eu, à un degré rare, ce par quoi un homme se différencie d’un autre : le style. Dans une foule de tableaux, mêlés les uns aux autres, l’œil, d’un seul clin, sûrement, reconnaît ceux de Vincent Van Gogh, comme il reconnaît ceux de Corot, de Manet, de Degas, de Monet, de Monticelli, parce qu’ils ont un génie propre qui ne peut être autre, et qui est le style, c’est-à-dire l’affirmation de la personnalité. Et tout, sous le pinceau de ce créateur étrange et puissant, s’anime d’une vie étrange, indépendante de celle des choses, qu’il peint, et qui est en lui et qui est lui. »

Pieter De Hooch - Mère avec enfant, 1661, Gemäldegalerie, Staatliche Museum, Berlin

     Heureuse idée ! Mon interview Babelio récente sur les « livres d’art » m’a incité à fouiller à nouveau dans ma bibliothèque. J’ai ressorti deux livres d’art exceptionnels de Tzvetan Todorov. Je parlerai du second « Éloge de l’individu » une prochaine fois.

    La couverture reliée insérée dans un coffret est tellement belle que l’on ne peut résister à l’envie immédiate d’ouvrir cet « Éloge du quotidien - Essai sur la peinture hollandaise du 17e siècle ».

     Un rappel historique s’impose : En ce début de 17^e siècle, le dernier grand peintre religieux italien Le Caravage, dont les clairs-obscurs ont eu un impact considérable sur la peinture italienne finissante, vient de mourir en 1610. Les grandes périodes picturales italiennes et flamandes des 15^e et 16^e sont terminées.

     Le siècle d’or hollandais va prendre la place…

     Au 17^e, la République des Provinces-Unies protestante est à son apogée et domine l’Europe, aussi bien dans les domaines économiques et sociaux, que littéraire, scientifique et artistique. Le commerce est florissant. La marine néerlandaise sillonne les routes maritimes mondiales avec ses navires de la Compagnie des Indes.

     Les maîtres italiens continuent d’influencer la peinture dans les grands centres artistiques d’Haarlem, Utrecht, Amsterdam ou Delft. L’Église catholique n’est plus commanditaire. Le choix des thèmes religieux s’altère et un grand marché de l’art libre s’installe. Pour la première fois, ce n’est plus l’histoire sainte, la mythologie grecque ou l’histoire qui deviennent le thème central du tableau, mais la vie quotidienne des gens. Quoi de mieux pour ce peuple néerlandais, sédentaire, que la demeure familiale comme modèle idéal ? Les acheteurs, bourgeois aisés, apprécient la peinture des artistes qui se spécialisent : il en résulte une demande accrue de portraits, paysages, natures mortes et peintures de genre qui, de dimensions réduites, s’accrochent plus facilement dans les salons. L’art est présent partout et l’on peut même, parfois, trouver des tableaux dans les plus humbles demeures.

La peinture intimiste néerlandaise appelée aussi peinture « de genre » est certainement le courant le plus intéressant et le plus original du 17^e siècle hollandais : des scènes d’intérieur nous font pénétrer dans les maisons bourgeoises, participer aux travaux ménagers, à la vie de famille : jeunes femmes à leur toilette, lisant une lettre d’amour, jouant du virginal ou brodant. Parfois un militaire tente de séduire une dame, un couple profite d’un moment de griserie amoureuse, ou des fêtards boivent et s’amusent.

La peinture est sans prétention, simple : la banalité quotidienne…

Quelques-uns des plus grands peintres de l’histoire mondiale de la peinture s’épanouissent dans cet âge d’or : Rembrandt, Vermeer et Hals rayonnent, accompagnés par un bouquet de peintres exceptionnels ayant des influences stylistiques et thématiques proches.

Frans Hals - La Bohémienne, 1630, Musée du Louvre, Paris

Personnalité artistique puissante, Frans Hals, plus âgé, exerce une influence sur ses cadets. « Quel plaisir de voir un Frans Hals ! », écrivait Vincent Van Gogh. Dans une lettre à son ami Émile Bernard, il consacre un long passage au peintre de Haarlem : « Jamais il n’a peint de Christ, d’Annonciations aux bergers, d’anges ou de crucifixions et résurrections, jamais il n’a peint de femmes nues voluptueuses et bestiales. Il a fait des portraits, rien que cela. Cela vaut bien le Paradis du Dante et les Michel-Ange et les Raphaël, et les Grecs même. » 

Frans Hals - L'enfant rieur, 1625, Musée du Mauritshuis, La Haye

Rembrandt reste le génie, le plus admiré : « On ne peut voir un Rembrandt sans croire en Dieu », continue Van Gogh. 

Rembrandt - Hendrikje se baignant dans une rivière, 1654, National Gallery, Londres

Quelques peintres représentent le plus souvent des scènes d’intérieur avec peu de personnages :

Gérard Dou - Le Hachis d'oignons, Collection royale, Londres

Gérard Ter Borch - Jeune femme à sa toilette, 1651, MET, New York                

Frans van Mieris - Femme à son miroir, 1662, Gemäldegalerie, Berlin 

Gabriel Metsu - L’enfant malade, 1660, Rijksmuseum, Amsterdam

Une femme, Judith Leyster, est la plus représentative dans cette peinture hollandaise.

Judith Leyster - La proposition, 1631, Mauritshuis, La Haye

Je ne me lasse pas de ce peintre ! : Jan Steen. La brasserie qu’il géra pendant plusieurs années à Delft a dû lui inspirer ces scènes de beuveries, d’orgies, de paillardises qui sont du plus grand comique dans ce siècle puritain…

Jan Steen - La famille joyeuse, 1668, Rijksmuseum, Amsterdam

Pieter De Hooch est le peintre novateur de cette nouvelle peinture de genre hollandaise représentant la vie populaire dans des scènes familiales d’intérieurs bourgeois ouverts sur des cours illuminées où des enfants s’amusent. Sa sensibilité et son style sont proches de Vermeer avec lequel il est voisin à Delft.

Pieter de Hooch - La cour d'une maison à Delft, 1658, National Gallery, Londres

À Delft, le siècle d’or dérive lentement au fil de l’eau des canaux. Johannes Vermeer va amener la peinture hollandaise à son plus haut niveau. Harmonie, calme, sérénité… Le peu de toiles conservées du sphinx de Delft sont connues dans le monde entier : La Femme à la balance en Vierge attire dès le premier regard ; une lumière dorée enveloppe la Vue de Delft ; La Laitière verse le liquide blanc dans une cruche, pendant qu’une jeune femme hésite à ouvrir une Lettre d’amour ; La jeune fille à la perle, éblouissante, nous fait face, souriante.

Johannes Vermeer - La Jeune fille à la perle, 1665, Mauritshuis, La Haye

Les peintres hollandais du 17^e ont connu un état de grâce qui tient à l’interprétation du monde. L’artiste hollandais trouve le sens de la vie dans la vie elle-même, et non nécessairement dans un répertoire constitué de formes. Il peut montrer la beauté dans un simple geste que personne n’avait sublimé jusque-là : une jeune femme ajuste son collier de perles ou soulève les plateaux d’une balance ; compas à la main, un scientifique observe par la fenêtre.

Cet ouvrage, avec ses nombreuses représentations de tableaux, est magnifique.

Mon amie Maryna Uzun m’a fait le plaisir de laisser son sentiment sur Babelio après la lecture de mon recueil « Conter la peinture – Si les œuvres parlaient » :

« Qui ne s'est pas exclamé un jour, les yeux effarés, devant une oeuvre d'art ou une musique qui donne un vertige des oreilles : « Comment il a pu imaginer ça ? Comment il a pu composer une telle merveille ? »
C'est cette admiration démesurée de la peinture qui a poussé Alain Yvars à écrire ce livre pour semer son amour du beau.
Son écriture, à haute tension, sensuelle, est comme les créateurs, ces êtres exceptionnels, qu'elle met en scène, comme leurs confidences qui nous serrent le cœur. Ces fortes personnalités qui, en passant, nous bouleversent à jamais. La genèse d'un style, d'une nouvelle vision du monde, d'un tableau en particulier, sont au centre de ces douze nouvelles sur Modigliani, Henri de Toulouse-Lautrec, Winslow Homer, Vermeer, Monet, Renoir, Seurat et quelques autres.
Rien de docte dans les pensées d'Alain Yvars qui pourtant possède une science supérieure de la peinture, une grande érudition, littéraire et historique, et peint lui-même. Elles sont curieuses et surtout émouvantes.
Cette lecture a coïncidé avec ma visite ensoleillée de la rue des Beaux-Arts, pour approvisionner mon jeune artiste en papier spécial et en crayons de couleur Caran d'Ache ! le long étui, la boîte magique, quoi ! Vider sa bourse pour la création, quoi de plus libérateur !
Je lui ai cité cette phrase du bouquin qui reprend les mots de Claude Monet : « Regarde la nature et peins ce que tu vois, comme tu peux. » C'est l'unique conseil que l'immense impressionniste a donné à la jeune Blanche, sa belle-fille. »

Merci Maryna

Corrège - Le Mariage mystique de sainte Catherine d'Alexandrie en présence de saint Sébastien, 1527, Musée du Louvre

« Je savais cependant qu’au-delà des aspects techniques, il me faudrait essayer de retrouver cette magie qui fait toute la différence entre une copie, aussi fidèle soit-elle, et son original. Et c’est là que commença l’envie de savoir… »

Je retrouve une deuxième fois, après « Les Grâces de Rubens », la scientifique émérite Sigrid Avrillier, menant en parallèle une carrière de peintre, sculpteur sur pierre et copiste au Louvre. La qualité des livres des éditions Macenta est toujours un plaisir pour les yeux. L’importante iconographie qui accompagne les textes ne peut que réjouir les passionnés de peinture.

L’auteure, installée comme copiste dans la Grande Galerie du Louvre, sous l’œil attentif des visiteurs, non loin de la salle où ceux-ci vont se presser pour voir La Joconde, a choisi de s’intéresser à un des plus importants peintres de la Renaissance italienne du 16e : Antiono Allegri da Corregio, dit en français tout simplement Corrège. Celui-ci côtoya ses grands contemporains, Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange, dont il s’inspira.

Mazarin rêvait de faire de la toile du Corrège « Le Mariage mystique de sainte Catherine, devant saint Sébastien », un des plus beaux joyaux de sa collection d’art. « Il ne faut en aucun cas laisser passer celui du Corrège quoi qu’il en coûte », écrit-il. Grâce à lui, l’œuvre entra dans les collections royales et est devenue un des fleurons du Musée du Louvre.

Sainte Catherine aurait subi le martyre à Alexandrie au début du 4^e siècle pour avoir affronté l’empereur romain Maxence. L’église profita de la légende tardive de la sainte au 12^e siècle pour, par ce motif poétique du mariage mystique et la dévotion à l’Enfant Jésus, donner dans sa lutte contre l’hérésie une consécration divine à la Vierge Marie que de nombreux tableaux vont montrer avant Corrège.

Un visiteur de passage dans la Grande Galerie pourrait certainement, comme moi-même, s’interroger sur le thème de cet étrange tableau de mariage mystique. Alors à l’apogée de sa carrière, Corrège le peignit pour un notable de Modène vers 1527. Il semblerait être le dernier tableau religieux du peintre avant sa mort en 1534.  Quatre personnages occupent le premier plan : la vierge Marie porte sur ses genoux l’Enfant Jésus. Face à elle, sainte Catherine, agenouillée, tend la main à l’enfant qui va saisir son annulaire droit. Les trois mains réunies forment un élégant bouquet de doigts. Derrière sainte Catherine se penche saint Sébastien. Curieusement, au loin, un paysage étonnant de violence surplombe la scène.

Une impression de sérénité profonde se dégage des visages des deux femmes. En regardant la toile de Corrège, je repense à la merveilleuse « Vierge à l’Enfant avec Sainte-Anne », restaurée récemment au Louvre, une des trois toiles que Léonard de Vinci apporta avec lui en France en 1516. Les couleurs de la robe et du manteau de la Vierge sont semblables. Je retrouve le rendu vaporeux des corps en léger clair-obscur et le sourire bienheureux de la Vierge sur son enfant.

Léonard de Vinci - sainte Anne, 1519, Musée du Louvre, paris

Corrège, que je connaissais mal, m’a séduit. L’apparence « tendre et suave » que l’on rencontre dans la plupart de ses toiles faisait les délices de Stendhal au 19e. Cette douceur toujours empreinte d’humanité devait être un trait du caractère de l’artiste.

À partir de 1519, il a 30 ans, le parcours de Corrège se fait essentiellement à Parme où il obtient ses commandes les plus importantes : grandes fresques de coupoles ouvrant sur la clarté du ciel, et magnifiques retables de Madones rappelant Raphaël.

« L’Adoration des bergers de nuit », plus doux que les nuits du Caravage, est splendide.

Corrège - Adoration des bergers (la Nuit), 1525-1530, Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde

Un deuxième « Mariage mystique de sainte Catherine » peint vers 1518 est, à mes yeux, un petit bijou : les trois personnages, éclairés d’un clair-obscur vacillant, évoquent un étonnant bonheur champêtre désacralisé dans lequel l’Enfant Jésus, plus âgé, s’apprête à passer en souriant l’anneau du mariage au doigt de la sainte et semble se préparer à engager une relation personnelle avec elle.

Corrège - Mariage mystique de saine Catherine d'Alexandrie, 1518, Museo e Real di Capodimonte, Naples

À la fin du livre, Sigrid Avrillier tente d’élucider la signification de ce mariage mystique de sainte Catherine avec l’Enfant Jésus à l’époque de Corrège. Celui-ci aurait-il laissé un message ? Sur la toile, l’image idyllique du mariage mystique de Corrège ne peut cacher le paysage en arrière-plan, un peu flou, montrant les martyres subis par sainte Catherine et saint Sébastien et des scènes de violences et de guerre.

Le commanditaire du tableau aurait, semble-t-il, désiré dévoiler ses convictions religieuses, en particulier son espoir en un retour de l’église romaine à l’âge d’or de l’église primitive. De ce fait, le peintre ne pouvait, las des comportements belliqueux de son temps, se contenter de l’image belle et rassurante des femmes vue de prime abord et aurait montré également la dure réalité des malheurs engendrés par les guerres.     

Les lecteurs apprécieront en annexe l’analyse détaillée de la copiste sur son travail de plusieurs mois dans la Grande Galerie du Louvre.

Le français préféré des français est décédé le 22 janvier 2007.

A cette occasion, j'avais eu envie d'adresser au Mouvement Emmaüs ce petit poème en leur demandant de le lui transmettre.

Je pense qu'il ne m'en voudra pas de le publier sur ce blog.

Adieu l’abbé

Adieu l’abbé, on t’aimait bien,

Nous les français, on t’aimait bien, tu sais.       (Merci Brel…)

Tu étais fripé, pas rasé, vieux.

Petit curé malingre, tu en as fait des envieux !

Champion des causes perdues,

Tu n’as jamais déçu.

Tu bravais les lois

Pour qu’une femme, un vieillard, dorment sous un toit.

Les puissants te craignaient.

Bien sûr, tu les bousculais !

Tu ne lâchais rien, vieux coquin,

Pour aider les clodos, les moins que rien,

Que la société rejetait

Parce qu’ils étaient suspects.

« Mes amis, je veux partir », disais-tu,

Le criant sans cesse, d’un air têtu.

« Vivement les grandes vacances ! »

Clamais-tu avec impatience.

C’est fait !

Ton Seigneur t’attendait depuis longtemps, vieille canaille,

Mais il savait que tu avais encore du travail.

Il a dû être satisfait en voyant ton sourire d’éternel gamin

Et ton regard malin.

Tu voulais retrouver le « Dieu amour »,

Te voila avec lui pour toujours.

Fini les combats, les disputes, les perfidies,

Cela n’existe pas dans ta nouvelle vie.

Alors profite l’abbé,

Tu l’as bien mérité.

Dieu doit avoir près de lui quelques jolies naïades,

Mais modère tes embrassades.

Garde un peu d’énergie,

Si par hasard tu croisais quelques sans-logis.

Dans l’esprit de beaucoup, Pierre, tu es un saint.

L’église ne le reconnaîtra pas, mais cela ne fait rien.

Pour nous, un saint est celui qui fait le bien,

Et là, Pierre, tu étais le meilleur

Toujours à l’écoute de ton cœur.

Si tu as un peu de temps, l’abbé, demande à Dieu

Qu’il s’occupe un peu plus des gueux,

Des miséreux qui n’ont rien,

Ce sont des humains…

Qu’il soit un Dieu pour tous et pas pour quelques-uns.

Mais on y pense, Pierre, toi… en Dieu… tu aurais été bien.

                                                                                                          Alain

RENOIR Auguste – La danse à la campagne, 1883, musée d’Orsay, Paris

     Louise tourna son joli nez pointu vers un convive installé à une autre table et lui envoya des signes amicaux.

     La violoniste et le pianiste attaquèrent une valse. La jeune femme vida son verre de cidre et s’apprêtait, faute de cavalier, à valser avec une amie, lorsqu’un homme élégant, en costume sombre et canotier, la barbe taillée de près, s’approcha de la table. Il était brun, beau garçon, les traits plus fins que les gars de la région. Il sourit à Louise.

     - Vous m’accordez cette valse, mademoiselle ?

     - Euh !… Oui, dit-elle, surprise !

    Elle se leva, intimidée par la prestance de l’homme. Il lui prit la main et l’entraîna vers le centre de la piste.

   L’homme était un excellent danseur. Le couple tournait lentement en décomposant le mouvement avec élégance. Les pas s’emboîtaient sans à coup. Louise serrait son éventail, le garçon lui tenant la main très haute en l’air, son autre main lui enveloppant le dos pour la maintenir contre lui. Agrippée à l’épaule du garçon, la jeune femme se laissait emporter, les yeux fermés. Sa capeline rouge accrochée à son cou par un ruban réchauffait ses joues. Elle la lança au passage, puis se colla contre le costume bleu foncé de son cavalier. Dénoué, le ruban qui retenait ses cheveux en arrière libera sa chevelure foncée qui s’enroula, tournoyante, autour de sa tête.

     La violoniste haussa le rythme de la valse, ce qui eut pour effet d’éliminer les plus mauvais danseurs qui retournèrent s’asseoir. L’homme et Louise allaient de plus en plus vite, le corps bien droit, lovés l’un contre l’autre, ne formant plus qu’un. Les pieds soudés tourbillonnaient, leur donnant l’apparence d’une toupie humaine incontrôlable. Ils volaient littéralement sans presque toucher le sol. On ne voyait plus qu’eux voltigeant indéfiniment. Ebranlé, le canotier de l’homme roula sur le sol. Tout le monde regardait ce couple superbe que la musique emportait dans un univers de solitude.

     Lorsque l’orchestre s’arrêta de jouer, la jeune femme et son cavalier revinrent s’asseoir.

   L’homme, inconsciemment, tenait encore la main de Louise dans la sienne. Leur osmose avait été si grande qu’ils ne s’étaient pas séparés. Progressivement, ils refirent surface, déçus de ne pouvoir rester dans ces nuages qui leur appartenaient. Le garçon lâcha la main de la jeune femme, se leva pour appeler le serveur et commanda la fameuse friture de goujons de la maison avec un vin de chablis sec.

   Le serveur déboucha la bouteille. Une fine couleur ambrée allumait le vin. La friture, croustillante juste comme il faut, accompagnée de tranches de pain bis recouvertes du beurre de la région, était un régal. Le fin visage de Louise arborait un sourire béat qui indiquait qu’elle planait encore dans une atmosphère irréelle.

     Elle but une gorgée de vin blanc, ce qui eut pour effet de la ramener à la réalité. Elle sourit à son danseur.

     - Je m’appelle Louise, dit-elle à l’homme qui la contemplait avec tendresse.

Vincent Van Gogh – Portrait du docteur Gachet, 1890, collection particulière

     Dans un précédent article, j’ai déjà fait connaître deux excellents blogs littéraires qui présentaient l’art et l’histoire dans les romans :

BALLADE AU FIL DE L'EAU : https://www.cathjack.ch/wordpress/

LE CLUB DU ROMAN HISTORIQUE : https://romans-historiques.blogspot.com/

     Aujourd’hui, j’ai eu, à nouveau, le plaisir de recevoir une chronique pour mon roman QUE LES BLÉS SONT BEAUX. Ce blog littéraire passionnant est entièrement consacré à la fiction historique sous toutes ses formes.

Nous avons du mal à revenir sur terre après ce voyage dans le temps offert par ce blog:

HISTOIRE ET FICTION : https://histfict.fr/

La fin de la chronique : 

J’AI AIMÉ…

• l’inclusion de quelques reproductions de tableaux et l’évocation des œuvres principales de l’artiste au fil du récit.
• le côté didactique du récit, sans tomber dans un ton professoral. Le lecteur apprend ainsi quels artistes ont influencé Van Gogh, la manière dont il travaillait, etc.
• les dialoguesqui rendent le récit vivant, notamment les discussions entre Van Gogh et le peintre Martinez lors des repas à l’auberge.

     Vous allez vous lasser, mais je dois aussi vous présenter deux autres blogs épatants qui, eux aussi, m'ont envoyé une chronique dans la semaine.

     J'ai aimé la présentation amusante du premier, sans oublier tout ce qu'il contient:

LES LECTURES DE CANNETILLE : https://leslecturesdecannetille.blogspot.com/2019/06/yvars-alain-que-les-bles-sont-beaux.html

BIENVENUE

"Jamais sans un livre", ce pourrait être ma devise.

Ces livres, ils sont une dizaine, chaque mois, à venir traverser ma vie, laissant un sillage qu'il me tient à coeur de préserver et de partager. J'ai une manie : telle ces gourmands qui ne peuvent se retenir d'engloutir toute la boîte de chocolats, dès qu'un livre me plaît, c'est toute l'oeuvre de l'auteur qu'il me faut savourer.

Je serais heureuse et fière de vous donner envie de picorer dans ces pages. Qui sait si, un jour, vous aussi, vous ne finirez pas toute la boîte de chocolats ?

Bonne lecture, et merci d'avance pour vos commentaires et partages.

Cannetille

     Le deuxième blog que je présente m'a adressé une chronique étonnante. Vous allez penser qu’il a été rédigé par une personne spécialiste de l’art… Erreur ! Il s’agit d’Alexiane, qui tient un blog littéraire. Cette chronique est fort bien documentée sur Vincent Van Gogh et sa peinture et, en plus, est agrémentée de tableaux de Vincent.

MARMITTE AUX PLUMES

http://marmiteauxplumes.com/que-les-bles-sont-beaux-dalain-yvars/

     Il ne faut pas m’en vouloir mais en ce moment c’est un peu la panique.

    Je suis bluffé et admiratif par la qualité des chroniques, toutes différentes, qui me parviennent. Elles sont d’un niveau auquel je ne m’attendais pas. Une chose réunie toutes ces blogueuses : elles ont énormément de talent. Leurs chroniques sont d’une grande utilité. C’est un gros travail, que je ne connaissais pas, de lecture, de recherche, de présentation, d’imagination, qui m’étonne à chaque fois. Tout cela pour l’amour des livres et des auteurs.

Vous êtes fantastiques mesdames. 

"Pourvou qu'ça doure !"

Une chronique littéraire reçue sur le site Les lectures de Cannetille dont je reprends quelques passages ci-dessous : 

Coup de coeur

Titre : Conter la peinture

Auteur : Alain YVARS

Année de parution : 2020

Editeur : Independently published

Pages : 114

Présentation de l'éditeur :

Philipp Alexius de Laszlo - La comtesse Anna de Noailles, 1913, musée d’Orsay, Paris

Plus petit ? Difficile ! Se glisse dans une poche de jeans ? Sans aucun problème ! S’instruire en se promenant en forêt ? Sans aucun doute ! Découvrir des poétesses françaises oubliées ? Oui, nombreuses, du Moyen âge au 21^e siècle dans cette "Petite Anthologie des Poétesses Françaises" !

À travers les siècles, la poésie et l’art ont été constamment réservés aux hommes.

Les poétesses ont été redécouvertes progressivement au 19^e siècle. Pourtant elles étaient nombreuses, mais leur talent était peu reconnu, la société n’étant pas disposée à laisser une place à leur sensibilité, leur point de vue sur l’amour, le désir, la vieillesse, la mort, tout simplement la vie.

J’ai aimé ce petit livre qui a permis de sortir de l’oubli plusieurs poétesses de talent. La plupart m’étaient inconnues. J’ai découvert leurs voix et leurs vers. Ce sont le plus souvent des poèmes d’amour. Certaines m’étaient déjà familières : Marceline Desbordes-Valmore, Anne de Noailles. Je vous en donne quelques extraits :

Enluminure – 1290

Au moyen âge, dans les années 1200, Marie de France m’a interpellé en utilisant le vieux français de cette époque qui m’a plu. Elle reçoit la visite d’un oiseau se transformant en beau chevalier :

« Jeo vus ai lunguement amé/E en mun quo desiré/Unques femme fors vus n’amai/Ne jamés autre ne amerai ». Traduit :

« Ça fait longtemps que je vous aime

Et vous désire dans mon cœur

Aucune autre femme que vous

Jamais n’aimai ni n’aimerai. »

Louis Labé - gravure Pierre Woeiriot, 1555

Louise Labé, en 1555, nous fait toucher du doigt l’amour au féminin, langue novatrice. Beaucoup de lycéens connaissent cette poétesse que l’on surnommait « la belle Cordière ». Attention ce n’est pas érotique, baiser voulait dire embrasser :

« Baise m’encor, rebaise-moi et baise ;

Donne m’en un de tes plus savoureux,

Donne m’en un de tes plus amoureux :

Je te rendrai quatre plus chauds que braise. »

Portrait de madame de Scudéry - bibliothèque Le Havre 1650

En 1652, Madeleine de Scudéry crée son propre salon où se pressent de grands écrivains. 

« Madrigal à une jeune demoiselle » 

« Fuyez ce charmant séducteur

C’est un plaisir funeste

L’oreille est le chemin du cœur

Et le cœur l’est du reste. »

Marie-Catherine-Hortense de Villedieu, en 1672, met autant de talent à vivre sans pruderie ses amours, lui attirant autant d’ennemis que ses succès littéraires :

« Aujourd’hui dans tes bras j’ai demeuré pâmée

Aujourd’hui, cher Tirsis, ton amoureuse ardeur

Triomphe impunément de toute ma pudeur

Et je cède aux transports dont mon âme est charmée. »

Élisa Mercoeur – Augustin Belin

Élisa Mercoeur, en 1826, météore de la poésie française, meurt à 26 ans. « La feuille flétrie »

« Pourquoi tomber déjà, feuille jaune et flétrie ?

J’aimais ton doux aspect dans ce triste vallon 

Un printemps, un été, furent toute ta vie

Et tu vas sommeiller sur le pâle gazon. »

Louise de Vilmorin

Louise de Vilmorin, au 20^e, ancienne amante de Saint-Exupéry, puis d’André Malraux, femme de lettre élégante et brillante accueillait dans son salon les plus grands intellectuels :

« Je l’aime un peu, beaucoup, passionnément,

Un peu c’est rare et beaucoup tout le temps.
Passionnément est dans tout mouvement :

Il est caché sous cet : un peu, bien sage

Et dans : beaucoup il bat sous mon corsage.
Passionnément ne dort pas davantage

Que mon amour aux pieds de mon amant

Et que ma lèvre en baisant son visage. »

Aujourd’hui, les femmes poétesses existent pour elles-mêmes. Rien que sur le réseau littéraire Babelio, elles sont nombreuses comme auteures. J’ai déjà critiqué certaines d’entre elles : Maryna Uzun, Marl’Aime, Parme Ceriset, Carmen Pen Ar Run, Francette lg ou Marthe Englebert, une amie disparue récemment qui avait un cœur énorme.

Vincent Van Gogh – Branche de marronniers  en fleurs, mai 1890, Fondation Bührle, zurich

     Une nouvelle très jolie chronique vient de nous parvenir de la part d'Annie, une blogueuse littéraire angevine. Vincent que j'ai prévenu a du mal à contenir sa joie et envoie des tas de bises à Annie pour la remercier. C'est un sentimental...

     La chronique peut être vue en entier sur le site de notre charmante blogueuse :

http://tlivrestarts.over-blog.com/2019/05/que-les-bles-sont-beaux-d-alain-yvars.html

     Pour le plaisir et pour en garder une trace dans mon blog, je publie ci-dessous la très belle fin de la chronique :

Ce roman est une ode à la création artistique, servie par une très belle plume, profondément humaine, délicate et tendre. Alain YVARS nous brosse le portrait d'un peintre porté par la passion, enivré par la beauté de la nature, il nous fait, le temps d'une lecture, partager des moments d'immense bonheur. Il est le fruit de longues années de recherches, Alain YVARS s'est notamment largement inspiré des correspondances de l'artiste, des archives de la Bibliothèque Nationale de France. Que j'aime découvrir l'art par la voie de la littérature, et je crois que je ne suis pas la seule ! J'ai par ailleurs désormais une furieuse envie d'aller découvrir ce village du Val d'Oise où le peintre y a vécu des heures heureuses avant le destin tragique qu'on lui connaît.

La démarche d'Alain YVARS est à souligner à plus d'un titre, mais s'il en était un à retenir, je saluerai le fait de reverser l'intégralité des bénéfices du roman "Que les blés sont beaux" au profit de l'Association Rêves qui permet à des enfants malades d'aller jusqu'au bout de leurs rêves. N'est-ce pas là un très beau geste que... sans aucun doute, Vincent VAN GOGH aurait apprécié à sa juste valeur.
 

C'est trop Annie ! Bon je vous pardonne !

Mille mercis.

Alain

« Je rêve ma peinture et je peins mon rêve » - Vincent van Gogh

       10 ans déjà !

    Le collectif d’auteurs « Les Anthologies Ephémères », géré par notre amie Quichottine, publie ce mois son nouveau recueil qui a pour nom : HORIZONS.

    L’aventure a débuté en 2011, avec des auteurs venus des pays francophones, France, Belgique, Canada… Le plus jeune avait 7 ans, la plus âgée écrit désormais pour ses arrières-petits-enfants.

     Cette année, ils sont 91 auteurs ou illustrateurs venus de « tous horizons », blogueurs ou non, qui bien souvent ne se connaissent pas, à offrir leurs textes, contes, poèmes, ou images, pour une seule raison, essentielle à leurs yeux : offrir à des enfants gravement malades un moment d’évasion, sous la forme d’un rêve auquel ils pensent depuis longtemps et qu’ils espèrent pouvoir réaliser.

     Pour que de nombreux rêves puissent se concrétiser, il faut évidemment réunir beaucoup d’argent. Tous ceux qui lisent mon article auront compris que l’argent récolté par la vente du livre « Horizons » sera entièrement reversé à l’association RÊVES (http://reves.fr).

Extrait de mon court récit inséré parmi les 91 auteurs :

« Ouf ! Déjà quinze jours que cela dure ! J’en ai marre d’être couchée dans l’herbe, sur le ventre, à demi déshabillée. Quelle tenue ! À la demande du peintre, j’avais desserré mon corset et reposé ma tête nue sur mon châle. Il avait lui-même relevé le bas de ma jupe blanche à motif pour que mes jupons et mes bas apparaissent. « Je veux que l’on voie votre visage Hélène » ; « Gardez les yeux mi-clos, les bras étendus devant vous dans une pose alanguie », avait-il insisté. Je ressemblais à un mannequin renversé. »

     Afin de voir la joie illuminer le visage d’un enfant malade, vous pouvez acheter un ou plusieurs livres vendus au prix de 12 € directement sur le site de l’éditeur :

https://www.thebookedition.com/fr/14551_les-anthologies-ephemeres-divers

Merci pour les enfants.

Facebook : ayvars

      Que diriez-vous d’un balade dans le Lubéron ? Oui ? Alors suivez-moi !

      La Provence… Cette région du sud-est de la France, nichée entre mer et montagne, évoque tant de choses : un soleil que les gens du Nord jalouse, des parfums de lavande, le crissement des cigales, des villages de cartes postales, d’innombrables vestiges romains, l’accent coloré des habitants, et puis cette mer aux mille nuances de bleus et de verts que la lumière modifie sans cesse.

      Cette terre de douceur m’attire irrésistiblement presque tous les ans. Je réside loin d’elle, mais je sens, lorsque j’y vais, que je suis chez moi dans cette région. Quelque chose d’agréable s’agite au fond de moi et je suis bien.

      Je la connais d’Ouest en Est cette Provence : elle étire un vaste panorama qui part de la Camargue et son univers de flamands roses, taureaux noirs et chevaux blancs, suit les pas hallucinés de Van Gogh entre Arles et Saint-Rémy-de-Provence, s’accroche aux calanques sauvages nichées entre Marseille et Cassis, et se termine non loin de la montagne Sainte-Victoire, immortalisée par Cézanne, à Aix-en-Provence.

      Enfin… je croyais bien la connaître cette Provence ! Pourtant, une zone de paysages accidentés située en plein cœur de celle-ci m’était inconnue : le Luberon, parc naturel régional, à mi-chemin entre les Alpes et la Méditerranée, une barrière montagneuse parsemée de villages hauts perchés, ravins profonds, falaises ocrées, collines calcaires et maisons de pierre sèche.

      Un séjour récent m’a permis de faire enfin connaissance avec ce Luberon. J’ai été séduit. Mon appareil photo a rarement autant chauffé. Je vous propose de partager avec moi quelques-uns des meilleurs clichés que j’ai ramenés dans mes bagages.

GORDES

      Il faut reconnaître que lorsque l’on se trouve face à cette ville qui touche le ciel, avec ses pierres patinées par le temps, on sait de suite qu’il s’agit d’un des plus beaux villages de France.

      D’ailleurs, un cycliste qui passait sur la route faillit bien se flanquer par terre devant ce spectacle.

      En marchant dans les ruelles pavées du village, de nombreuses échappées entre les maisons s’ouvrent sur la montagne qui lui fait face. Il doit faire bon vivre à cet endroit, m’étais-je dit.

 LE VILLAGE DES BORIES

      Proche de Gordes, j’ai passé un long moment dans l’original village des Bories.

      L’origine de ces habitations remonterait aux Ligures qui peuplaient la région plusieurs siècles avant notre ère. Dans le pays, on appelait familièrement ces curieuses maisons bâties en pierres sèches, sans mortier, des « cabanes gauloises ».

      Ces habitats traditionnels ont traversé le temps puisqu’ils furent habités constamment à diverses époques jusqu’au début du 19^e siècle.

      Curieux, je suis entré dans toutes les maisons composant ce village minéral construit avec des pierres trouvées sur place : feuilles de calcaire se détachant du rocher ou pierres des champs. On les appelait « Lauzes ». D’environ 10 centimètres d’épaisseur, elles étaient assemblées sur plusieurs rangs de plaquettes afin de former des murs épais.

      D’aspect ovoïdes ou carrées, ces maisons ne comportent le plus souvent qu’une seule pièce et une ou deux étroites ouvertures. A l’intérieur, des cavités aménagées dans l’épaisseur des murs servent de placards ou de rangements. Le plus étonnant est que la température y demeure constante en toutes saisons.

       Cette vaste aire à l'entrée du village servait à battre le blé ou, parfois, les jours de fêtes, à danser.

      Remise à outils ou cellier

                                                                           Une bergerie.

      Un four à pain qui semble encore prêt à servir.

      On stockait également le vin.

      J’imagine quelques habitants du village assis sur ce banc le soir, après leur journée de travail, humant le souffle du mistral avant de rentrer à l’abri de leur cabane pour la nuit.

SAIGNON

       Autre village haut perché dont le rocher déchiqueté par le vent laisse apparaître le cône pelé du Mont Ventoux au loin.

      Un moulin à huile troglodytique que le temps a difficilement conservé.

      On peut toujours rêver ! Ma femme tente vainement de pousser avec ses petits bras cet immense rocher. L’homme paraît bien fragile face à la nature…

      Quelques fleurs sauvages apportent une note colorée dans ce décor sévère.

        Ouf ! Une charmante placette, au cœur du village, nous apporte un rafraîchissement mérité.

LE PONT-JULIEN

      Je ne sais de quelle nationalité était ce couple de jeunes touristes. Allemand ? Peut-être hollandais ? J’étais seul avec eux au pied de ce pont romain, vestige de l’antique voie Domitienne. Ils me tendirent leur minuscule appareil numérique : « Merci ! Photo de nous devant pont ! Appuyez ici ! ». Ce fut vite expédié : un cliché en largeur montrant le pont en entier, un autre dans le sens de la hauteur cadrant le couple tendrement enlacé, un sourire béat les unissant. « Très beau ! Merci !dirent-ils, satisfaits d’avoir été  immortalisés devant cette ruine ancestrale. »

      J’en profitai, avant de partir, pour garder, moi aussi, un souvenir de ce pont sous lequel coule le Coulon, ce jour là à sec, dont le débit d'eau peut être très important, occasionnant de fortes crues. Je le trouvais encore bien conservé malgré ses 2000 ans.

   L’ABBAYE DE SENANQUE

      Ce lieu m'a laissé une sensation d’enchantement !

       Niché dans un vallon loin du bruit de la civilisation, ce monastère, fondé en 1148, est un témoin de l’architecture cistercienne primitive.

      En fin de journée, une lumière mystique l’enveloppait. La lavande envoyait des tonalités violines sur les murs gris.

LE COLORADO DE RUSTREL

      Un western !

      On se serait cru dans ces vieux films en technicolor tournés dans des régions désertiques et poussiéreuses de l’Amérique d’autrefois. J’ai même cru, un instant, apercevoir la tête d’un indien derrière une colline, puis disparaître, certainement pour prévenir sa tribu de notre présence. Heureusement, mon scalp est encore sur ma tête !

          La jeune femme au centre paraît bien seul dans ce décor sauvage.

L’ocre est une substance mystérieuse. Ce Colorado à Rustrel nous renvoyait des couleurs somptueuses : du jaune le plus lumineux au rouge le